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Este artículo fue publicado previamente en la página de Audiocámara del Aula de Música de Cámara del Conservatorio Superior de Música de A Coruña.
» J. CAGE: Cuarteto de cuerda en cuatro partes

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En 1949 después de completar el primer movimiento del Cuarteto de Cuerda en Cuatro Partes, John Cage escribió lo siguiente en una carta a sus padres: “Esta pieza es como la apertura de otra puerta; las posibilidades implicadas son ilimitadas”. Después de oír el cuarteto, la descripción de Cage parece confusa. La impresión inmediata es que en esta pieza habita un mundo sonoro muy limitado. ¿Cómo este trabajo simple y modesto pudo describirse en tales términos? ¿Si era un trabajo tan importante, entonces por qué no es tan conocido? Quizás es debido a su simplicidad, que el Cuarteto de cuerda ha sido pasado por alto tan a menudo por aquéllos que citan los mayores logros de Cage. Flanqueado por un lado por sus obras de percusión rítmicamente compleja y la música preparada de los años 40, y en el otro por los extravagantes trabajos de azar de los años 50, este modesto cuarteto no ha atraído la atención, permaneciendo en las sombras de esos vecinos formidables.

De hecho, el Cuarteto de Cuerda fue escrito durante un período de transición en la carrera de Cage, en un momento cuando estaba buscando una nueva estética y un nuevo estilo. Centrado su estudio en las escrituras de autores como el historiador de arte indio Ananda Coomaraswamy y el místico cristiano medieval Meister Eckhart, Cage se convenció de que su música debía servir para un propósito espiritual: debía “serenar y sosegar a la mente para que sea susceptible así a las influencias divinas”. Hacia esta meta, Cage intentó crear una música que compartiría lo inefable, que le permitiría a su público “olvidarse de si mismos, con entusiasmo, y así ganarse.” A lo largo de los últimos años 40 se hizo más espiritual en torno a la vida, y su estilo musical se hizo más modesto. En 1948, anunció que “es desesperado pensar y actuar grandiosamente en condiciones públicas”, pero la “belleza está presente en las situaciones íntimas”. Cage buscó componer una música que permaneciera expresiva, pero en una callada, espontánea moda de lo discreto. Hacia este fin, él estudió la música elegante y subestimada de Erik Satie, música que Cage consideró como modelo perfecto para el trabajo que quiso acometer. Su búsqueda lo llevó a fascinarse con el silencio; fue inspirado por las palabras de Meister Eckart que predicó que “es en la quietud y en el silencio que la palabra de Dios será oída.” A punto de escribir el Cuarteto de Cuerda, Cage les dijo a sus padres que sería un trabajo en que “sin usar realmente el silencio deberá gustarme elogiarlo.”

El Cuarteto de Cuerda en Cuatro Partes refleja estas preocupaciones de muchas maneras. La obra es programática, sus cuatro movimientos o “partes” representan las cuatro estaciones. En particular, Cage utilizó la imaginería hindú del ciclo estacional en que se identifican primavera, verano, otoño e invierno con las fuerzas de creación, preservación, destrucción, e inmovilidad. El cuarteto de Cage abre con verano y avanza - la música se pone cada vez más lenta - a través del otoño al invierno al punto de que es “casi estacionario.” El último movimiento, con su aumento súbito en el tempo, hace así pensar en el vigor renovado de creatividad de la primavera. Siguiendo su tema del ciclo eterno, imperturbable de las estaciones, Cage adoptó un estilo musical en el cuarteto que era austero, límpido, sereno. La música es lenta y justamente sosegada a lo largo de la obra. La quietud del sonido que uno oye al ejecutarse el cuarteto es debido a la estipulación de Cage de que los músicos no usen el vibrato. El cuarteto no tiene ningún gran clímax o efectos dramáticos; su voz callada está sujeta solamente a inflexiones muy sutiles.

Pero ninguno de estos rasgos - el tema universal, la quietud, el non vibrato, el tempo lento - era nuevo en la música de Cage en 1949, y el golpe no constituyó la “apertura de otra puerta” de la cual habló a sus padres. En cambio, fue el tratamiento de Cage de la armonía en el Cuarteto de Cuerda que era nuevo, y aquí resolvió un problema que fue crucial para su trabajo futuro. De todos los elementos de música, era la armonía que Cage identificó como ser lo más incompatible con un acercamiento espiritual al arte. Llamó la armonía “la herramienta del comercialismo Occidental”, “un elemento para hacer la música impresionante, fuerte, y grande.” Lo que él objetó en particular era el uso intensamente progresivo de la armonía en la música del siglo XIX- el sentido de transporte de fuerzas fuerte al oyente a lo largo de las olas de tensión y resolución. En su trabajo previo al Cuarteto de Cuerda, Cage había evitado la armonía totalmente escribiendo para conjuntos de percusión, o creando sólo solas líneas sin acompañamiento. En el Cuarteto de Cuerda, un medio que pide un tratamiento armónico, Cage cubrió con contraste el intenso sentimiento de progresión de un acorde al próximo tratando cada uno como único y separado en lugar de como una armonía en sentido funcional. Al escribir la obra, antes de hacer nada, Cage compuso una colección de acordes - escogidos cuidadosamente, con sensible sentido con la sonoridad. Sin embargo - y esto es lo que era nuevo en el Cuarteto de Cuerda - creó cada uno separadamente de todos los otros, no prestando atención en qué contextos musicales podrían aparecer. Las armonías en esta colección miscelánea eran usadas entonces para perfilar una sola melodía. La decisión para usar una armonía particular en un punto determinado de la obra estaba solamente basada en si contenía la nota necesaria para la melodía. El resultado, no hay ninguna lógica armónica, ningún sentido de causa y efecto, ninguna fuerza expresiva dominadora que Cage intentó evitar. En esencia, la yuxtaposición de acordes es accidental, subordinada a esa sola línea melódica. El resultado es una monofonía de armonías: una “línea en el espacio rítmico”, como Cage la dispuso, formada por los acordes de su colección, así como diferentes, pueden unirse las cuentas para formar un collar.

La importancia del Cuarteto de Cuerda en Cuatro Partes no está en su simplicidad: su gran logro es ser una voz compositiva que es reservada pero segura, callada pero clara como el cristal. La lección de Cage - que abría la puerta a posibilidades ilimitadas - era que para lograr esa voz, todo lo que se necesita se hiciera, los sonidos hablan para sí mismos. En el cuarteto cada acorde es expresivo por sí solo, y el poder de la armonía es neutralizado por Cage negándose a conectarlos, habiendo permanecido callado en los espacios entre los acordes. Aunque no incluyendo silencios extensos (éstos aparecerían en su música, poco después), el cuarteto proporcionó el compositivo silencio que Cage buscaba: la necesidad de poner los sonidos en libertad de sus obligadas relaciones.

• James Pritchett
• Extracto de las notas del disco "John Cage: The Complete String Quartets, Vol. 2 "
• mode records, mode 27

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